GUIDO RENI Digitorial

Ob auf einem Skateboard, in den Bildern der Fantasy und Games, auf Kruzifixen, Kerzen und anderen Produkten der katholischen Devotionalien-Industrie: Guidos Figuren und nicht zuletzt seine Köpfe mit dem gen Himmel gerichteten Blick sind heute genauso beliebte Motive wie damals.

Dem geflügelten Wort vom „artista divino“, dem göttlichen Künstler, machte Reni alle Ehre: Als er 1642 in seiner Heimatstadt Bologna starb, wurde er fast wie ein Heiliger zu Grabe getragen – so groß war der Starkult um den begnadeten Zeichner und Maler.

Astronomische Preise für seine Werke! Renis Umsatz war enorm, ebenso berühmt-berüchtigt jedoch seine „fürstlichen Ausgaben“. Was er nicht verspielte, gab der wohltätige Reni großzügig an Bedürftige und Patenkinder ab. Der verehrte Ausnahmekünstler erhob sich über die Normen seiner Zeit.

Der Sohn einer Musikerfamilie wurde bildender Künstler: Schon mit neun Jahren begann Guido Reni seine Ausbildung in der Bologneser Werkstatt von Denys Calvaert (1540–1619), einem Maler aus Flandern. Zehn Jahre später schloss er sich einer innovativen Kunstschule an, der Accademia degli Incamminati. Von der Familie Carracci in Bologna gegründet, strebte diese neuartige Ausbildungsstätte nach einer Reform der Malerei.

Reni arbeitete bis zur Erschöpfung, mit vielen Gehilfen. Noch heute lassen sich die aufwendigen Wandmalereien bestaunen, mit denen er sich in den großen Kirchen und Palästen Roms verewigen durfte. Auch Entwurfszeichnungen für die verschiedenen Fresken haben sich erhalten.

Eines der meistkopierten Werke der Kunstgeschichte: Der Gott Apoll lenkt seinen Pferdewagen durch hohe Lüfte; Aurora, die Göttin der Morgenröte, schwebt voran und streut Blumen. Der feierliche Himmelszug bringt Licht und Fruchtbarkeit über die noch dämmrig daliegende Landschaft. Bis ins späte 19. Jahrhundert war Renis Deckengemälde ebenso ein Muss bei jedem Rombesuch wie Michelangelos Sixtinische Kapelle und Raffaels Stanzen im Vatikan – gepriesen als „gemalte Poesie“.

Eine kleine Zeichnung, in der das ganze Kunstwerk steckt! Mit Tusche auf einem Stück Papier skizzierte Reni einen erstaunlich genauen Entwurf für das sieben Meter breite Deckengemälde. Der Künstler und seine Bewunderer waren überzeugt: Schon in Renis Kompositionszeichnungen zeigten sich die „idee celesti“, die himmlischen Einfälle des Ausnahmekünstlers.

Er könne sich selbst in Caravaggio verwandeln, sollen Renis römische Gönner über ihn gesagt haben. Gleich nach Ankunft in Rom forderte Reni den berühmt-berüchtigten Konkurrenten heraus. In seinem „Christus an der Geißelsäule“ aus der Sammlung des Städel Museums kommt das typische „Scheinwerferlicht“ – bis heute Caravaggios bekanntes Markenzeichen – gekonnt zum Einsatz.

Etwa für fünf Jahre überschnitten sich die Lebenswege von Reni und Caravaggio in Rom. Der eine äußerlich ein frommer Edelmann, schön und engelsgleich, der andere ungekämmt, aufbrausend und mörderisch – die Zeitgenossen schilderten zwei gegensätzliche Charaktere. Im Rückblick ahnen wir: Brillante Künstler, Diven und Exzentriker waren sie beide. Der Vergleich ihrer Werke zeigt jedoch: Ihre Kunst unterscheidet sich sehr.

Ein Mordsbild – die Dekoration eines Kamins, gemalt für das Wohnhaus der einflussreichen Bologneser Familie Zambeccari. Renis „Samson“ von 1615-17 ist spektakulär.

Überall getötete Soldaten – man möchte kaum hinschauen. Reni spart bei der Darstellung der blutüberströmten Leichen nicht an Details: ein Realismus, wie man ihn von Caravaggio kennt. Weit verstreut liegen die toten Körper. Das Gemälde zeigt den biblischen Helden Samson, der 1000 gegnerische Philister erschlug. Vor die fahle Szene des Schreckens stellt Reni die Figur Samsons – golden leuchtend, atemberaubend schön, ein Balletttänzer in Siegerpose. Wie kann er das wagen?

Die Schönheit und sanfte Bewegtheit seiner Werke hypnotisierten Renis Publikum. Nur mit den Regeln der Kunst lasse sich sein Können nicht erklären, waren seine Zeitgenossen überzeugt – eine solche Grazie entstehe allein durch göttliche Inspiration.

Rot, Gelb, Grün und das strahlende Blau von Himmel und Meer: Das Gemälde besticht durch seine satte, leuchtende Farbkraft. Reni zeigt vor weitem Horizont die Begegnung zwischen Bacchus und Ariadne auf der Insel Naxos. Ein klares, einfaches Bild, mit enormer Wirkung auf den Betrachter.

Ariadne, die Tochter des Königs von Kreta, lagert klagend auf einem Felsen. Ihr Geliebter hat sie auf der Insel zurückgelassen. Obwohl sie für ihn alles geopfert hat, segeln seine Schiffe in der Ferne davon. Noch nimmt sie Bacchus, den Gott des Weines und der rauschhaften Feste, nicht wirklich wahr. Doch er deutet bereits mit dem Zeigefinger auf sein Herz, das für Ariadne zu brennen beginnt. Die mythologische Geschichte einer Liebe zwischen Gottheit und Mensch!

Es ist noch kein Meister vom Himmel gefallen: Reni wusste sich unterschiedlicher Vorbilder zu bedienen und sie auf eigene Weise abzuwandeln und zu kombinieren. Dass die Kunst des „göttlichen“ Malers auf harter Arbeit beruhte, wird auch mancher seiner Zeitgenossen geahnt haben.

Eine Figur, zwei Gemälde – es braucht keinen Kunstexperten, um zu erkennen, dass Reni für die Darstellung der heiligen Magdalena seine Ariadne wiederverwendet. Aus der nackten Prinzessin ist eine christliche Büßerin geworden.

Einmal ist keinmal: Der wiederholte Einsatz von bestimmten Figuren oder Bildformeln zieht sich durch Renis Werk. Hatte er erst eine Körperform erfunden, nutzte er sie flexibel. Auch besonders beliebte Gemälde ließ der Künstler in hoher Zahl vervielfältigen: Von der „Büßenden Magdalena“ haben sich über 50 von seiner Werkstatt gemalte Kopien bis heute erhalten!

Eine solche Akkordarbeit war nur dank Renis großem Atelier mit zeitweise 80 Mitarbeitern möglich. Reni selbst soll betont haben: Egal von wem und wie oft seine Bilder ausgeführt würden – auf die Einfälle dahinter, auf seine „himmlischen Ideen“ käme es an!

Nichts Neues unter der Sonne? Reni entwickelte sein Markenzeichen nicht im luftleeren Raum: Schon in Raffaels „Heiliger Cäcilia“ von 1514 blickt die Schutzheilige der Kirchenmusik hingebungsvoll gen Himmel. Um 1600 kopierte Reni das berühmte Gemälde genau. Schon als Kind in Bologna hat er es in einer Kirche bestaunen können. Doch Reni machte mehr aus dem Motiv des Aufschauens!

Leidenschaftliche Hingabe oder rasender Schmerz: Der himmelnde Blick spiegelt extreme Gefühlszustände, die die Betrachter ergreifen und in ihrem Glauben stärken sollen. Reni ging an die Grenzen des Sag- und Darstellbaren – und bewies damit immer auch sein künstlerisches Können. Vorbilder fand er in der antiken Skulptur, die von seinen Zeitgenossen für ihre Ausdruckskraft verehrt wurde.

Der grenzüberschreitende Blick, aus dem Diesseits ins Jenseits: Renis Zeitgenossen verbanden den himmelnden Blick mit der Vorstellung der Liebe zu Gott. Erfindungsreich und gewitzt waren Renis zahlreiche Varianten seines Markenzeichens, so auch in seinem spektakulären „Saulussturz“ – mit leicht geöffnetem Maul wendet sich hier sogar das Pferd himmelnd zum göttlichen Licht!

Als ob sich für einen Moment das Fenster zum Himmel öffnet: Lang vor der Erfindung des Flugzeugs lässt Reni die Betrachter über den Wolken schweben. Engelchen heben Maria immer weiter in die Höhe – verheißungsvoll ist der himmelnde Blick der Gottesmutter.

Schön und übersinnlich: Maria schwebt einem gleißenden Licht entgegen. Nicht auf Leinwand, sondern auf einer Kupferplatte ist das träumerische Bild gemalt. Der metallene Untergrund verstärkt die Leuchtkraft des gold-gelben Farbtons, den Reni gekonnt mit dem Blau und Rosa-Rot von Marias Gewändern kombiniert.

Zahlreiche, sehr ähnliche Varianten der Mariendarstellungen entstanden im Laufe von Renis Karriere, auf Kupfer, Holz oder Leinwand. Die Bilder der Himmelfahrenden waren in Zeiten der Gegenreformation gefragt, vor allem von Renis Hand.

Im Laufe seiner Karriere fokussierte Reni seine Marienbilder zunehmend auf die Figur der schwebenden Jungfrau. Die reduzierten und umso wirkungsvolleren Darstellungen führten zu immer neuem Ruhm: überwältigende Gemälde von über drei Metern Höhe, in leuchtenden, fast irrealen Farben.

Vom wundertätigen Bild bis hin zur malerischen Umsetzung einer christlichen Glaubenslehre – Renis Marienbilder sind bedeutungsschwer. Über die Rolle der Maria schieden sich im 17. Jahrhundert die Geister der katholischen Gelehrten. Renis Bilder bezogen Position.

Vergötterter Reni! Prächtig, harmonisch und schwelgerisch – die Marienbilder des Malers der „himmlischen Ideen“ verbinden andächtiges Schauen und Kunstgenuss. Die Gemälde sprechen intensive Gefühle und den Sinn für Schönheit an; der engelsgleiche Maler entführt in höhere Sphären.

Als habe er das Gemalte noch einmal „auskritzeln“ wollen: Mit groben, hektischen Strichen eines Borstenpinsels vermalt Reni in „Christus und der Johannesknabe“ das Tuch des knieenden Kindes mit der dunkelgrünen Hintergrundfarbe der Bäume und Pflanzen.

Das ganze Gemälde erstaunt: Dünn ist der Farbauftrag, sichtbar sind alle in Dunkelbraun gezogenen Linien, die die Körper Christi und des Johannes umreißen. Einfach und unmittelbar ist die Wirkung. Sah Reni das Bild als vollendetes Gemälde an? Oder handelt es sich lediglich um einen „abbozzo“, ein mit Pinselvorzeichnungen und ersten Farbschichten angelegtes Werk, das noch auszuarbeiten war?

Auch in diesem Werk ist manches frei und skizzenhaft belassen: Nicht mehr als ein malerischer Hauch – so erscheinen das Lamm und die Figur des heiligen Joseph, der im Hintergrund durch die Tür tritt. Doch was unfertig anmutet, hat Reni wohl gezielt und voller Absicht ins Gemälde gesetzt. Diese Passagen verleihen dem Bild eine geheimnisvolle, übernatürliche Note.